Gore

"El hombre es esta noche, esta Nada vacía, que contiene todo en su indivisa simplicidad: una riqueza de infinitas representaciones, de imágenes, ninguna de las cuales llega precisamente a su espíritu, o (más bien) no están en él como realmente presentes. Es la noche, la interioridad o intimidad de la Naturaleza lo que existe aquí: (el) Yo personal puro. En torno a las representaciones fantasmagóricas está la noche: entonces surge bruscamente, aquí, una cabeza ensangrentada; allá, una aparición blanca; y ambas, bruscamente también, desaparecen. Esa es la noche que se advierte al mirar a un hombre en los ojos: se hunden entonces las miradas en una noche que se vuelve terrible; es la noche del mundo que se presenta ante nosotros.”

Hegel

 

No hay nada más humano que la ficción de la muerte, de ella se desprenden profundos sentimientos de terror y de goce. La atracción ancestral por la sangre puede leerse en la expresión gore. Un significado de esta palabra -noun blood that has been shed, especially as a result of violence- se traduce como “la sangre que ha sido derramada, sobre todo como resultado de la violencia”.

Si bien es un término que debe su popularidad al universo cinematográfico, es posible identificar obras de naturaleza gore en diferentes épocas y campos del arte. Basta nombrar algunos referentes para que las imágenes sangrientas emerjan: la tragedia griega, la iconografía de la crucifixión, el teatro de la crueldad de Antonin Artaud, la literatura de Osvaldo Lamborghini. El arte contemporáneo también ha dado frutos truculentos, Richard Kern, Francis Bacon, Otto Mühl y el Accionismo Vienés.

La estética gore halla su definición enla representación violenta de la sangre y la muerte. No obstante, la esencia de lo que designa la palabra gore ha existido en puntos remotos de la historia de la humanidad y quizás el sacrificio sea el caso más recurrente.

El rito del sacrificio se constituye en el acto de ofrecer el cuerpo del sacrificado para el espectáculo. Durante la Edad Media la tortura y la ejecución de los condenados se realizaba en el contexto de una fiesta popular. Los pueblos prehispánicos que habitaban la zona de México practicaban un sacrificio que consistía en arrancar el corazón a la víctima aún viva, o desollarla para que un sacerdote vistiera su piel. En el antiguo Imperio romano se acostumbraban distintos modos de sacrificios que luego subsistieron transformados en sangrientas muertes circenses.

¿Qué es aquello que hace que el sacrificio haya existido en diversas civilizaciones separadas por el tiempo o el espacio? ¿Qué es lo que de él debió continuar en forma de ficción, ya cuando el sacrificio humano ha sido prohibido en las sociedades modernas? ¿Qué es lo que sigue presente en obras como Tito Andrónico, de William Shakespeare, o en películas del género gore?

Una respuesta podría ser pensar en el espectáculo de la muerte como la destrucción del animal que hay en el hombre. En el sacrificio, el hombre funda su humanidad, al otorgar una vida en favor de un fin superior, dejando subsistir sólo la verdad no corporal, la verdad humana. Dado que no es posible vivir la muerte propia, es necesario experimentarla en la muerte del otro, a través del espectáculo, a través del sacrificio, a través de la ficción.

A esta experiencia se une el goce de no ser uno mismo el sacrificado. En la visión de un resto de sangre derramada se cruzan el placer de reafirmar nuestra vida en el asesinato del otro y el terror por la inminencia de nuestra propia muerte. La fascinación por la sangre surge de este encuentro.

Magalí Pallero, septiembre de 2011

 

Magalí Pallero (Santa Fe, 1974). Estudió Artes Visuales en el IUNA y es egresada del Conservatorio M. de Arte Dramático, EMAD. Residió en México, donde estudió arte en la Universidad Veracruzana. De su labor como curadora se destaca: Fenómenos, Mariano Giraud, Espacio Fundación Telefónica-CCEBA (2010); Gore, Appetite (2008); Soy Adicto, Appetite (2007). Se ha desempeñado como productora de televisión en programas culturales como Cultura Cero y Filmoteca, ambos en Canal 7. Vive en Bs. As.

 

 

Modulador Morfológico de Materia
Performance - Oligatega
Viernes 9 de septiembre, 20 h, explanada del macro, Bv. Oroño y el río Paraná
En el marco de la inauguración de GORE. El hombre es esta noche se presentará Modulador Morfológico de Materia

Desde hace algún tiempo Oligatega trabaja volúmenes de resina, epoxi y otros materiales. Esta materialidad dio paso a la experimentación que impulsó el deseo de otorgar vida a estas formas, de hacerlas bailar. Generar las mismas ondulaciones y curvas pero en movimiento. Surgió así el Modulador morfológico de materia. Este artefacto produce ondas de sonido sobre una sustancia llamada "no newtoniana" produciendo volúmenes y movimientos sincronizados. Las ondas de sonido se transforman en música y la música en escultura dinámica. La performance ocurre al operar los instrumentos que regulan las vibraciones, estas salen por el parlante que genera la onda de choque que hace bailar a la mezcla, los componentes de la obra son los de la escenificación de un órgano sensitivo y representativo a la vez. Uno que construye su morfología al percibir y según lo que percibe. Toda la performance tiene una secuencia, una función con un uso determinado del tiempo.
Oligatega esta formado por Alfio Demestre, Mariano Giraud, Mateo Amaral y Maximiliano Bellmann.

http://www.youtube.com/watch?v=Xh4EEzDwjSs

 

 

Proyección de cortometrajes perturbadores en 16 mm, de la colección de Fabio Manes

Charla sobre cine Gore a cargo de Fabio Manes y Sebastián "Berta" Muñiz
Sábado 10 a las 18 h

Entre comienzos y finales de los años ’70 hubo un período de extrema apertura en lo referido a la educación sexual. Durante ese breve lapso se desarrolló un extraño y casi desconocido subgénero de documentales de educación sexual sin ningún tipo de censura, ni en el contenido ni en la forma. La mayoría de estos cortos hoy están totalmente perdidos u olvidados.

Los tres cortometrajes documentales que se exhiben en este ciclo titulado Abortion Horrors, fueron realizados en esa época con fines educativos, abordando el tema del aborto desde un lugar poco usual, sin embargo, su contenido explícito es tan impactante que su interpretación termina siendo totalmente subjetiva y provoca sentimientos contradictorios.

Los tres documentales se exhiben en su formato original de 16 mm en inglés sin subtítulos.

Un dato tan curioso como inútil: uno de los cortos está presentado y conducido por Adrienne Barbeau, quien luego sería mujer de John Carpenter y actriz en varios de sus films (The Fogy Escape from New York, entre otros). Por supuesto este corto no figura en ninguna de sus filmografías.

Entrada libre y gratuita.

 

ADVERTENCIA: El contenido del material audiovisual exhibido puede resultar desagradable u ofensivo a la sensibilidad religiosa o moral del espectador.

Fabio Manes (Buenos Aires, 1964). Productor, guionista y realizador. Paralelamente, dedica gran parte de su tiempo al coleccionismo y exhibición de cine, creando hacia fines de los `80 el ciclo de trasnoche Medianoche Bizarra, donde exhibe films de terror y erotismo hasta ese entonces inéditos en Argentina. Actualmente escribe y conduce junto a Fernando Martín Peña el programa de TV Filmoteca, de lunes a viernes, en la trasnoche de Canal 7.

Sebastián “Berta” Muñiz (Buenos Aires, 1978). Actor, productor y guionista. A los doce años se suma al equipo de FARSA Producciones. Participa en varios proyectos de radio y televisión. Conduce el programa Los diez más pedidos de la cadena internacional MTV y actúa en Zona Mutante y Filmatrón, largometraje ganador de varios premios, entre ellos Mejor Película BAFICI 2007. Actualmente conduce Perros de la calle junto a Andy Kusnetzoff en Metro 95.1.

CICLO DE CINE – NGA (NUEVO GORE ARGENTINO)
PROGRAMACIÓN: MAGALÍ PALLERO

Adrián García Bogliano / Ruy Krygier / Germán Magariños / Diego Curubeto / Fabio Manes / Wincy / Toia Bonino / César Bigus / Mad Crampi / Farsa / Jimmy Crispin

Esta exposición, a su vez, va acompañada de un ciclo de cine Gore, contando con la colaboración del CAR, Centro Audiovisual Rosario. Se proyectarán largometrajes y cortometrajes de realizadores argentinos, en el marco del FLVR, Festival Latinoamericano de video Rosario. También se realizará un ciclo de cuatro funciones en la sala de la Fundación Diario La Capital.

Ver programación en: www.centroaudiovisual.gov.ar

Gore es el principio de esta muestra. Término que viene del cine, pero que aquí expande su significado, encontrándose con la raíz profunda de lo que representa: la ficción de la muerte. Las nueve obras que componen esta exposición se unen en la belleza de la sangre violentamente derramada. Los protagonistas de esta tragedia son: Arturo Aguiar, Darío Ares, Marcelo Bordese, Nicola Costantino, Mauro Guzmán, Marcos López, Sebastián Pinciroli, Thaís Zumblick y Oligatega.

 

Arturo Aguiar

“Mi obra es la construcción de una poética fotográfica, y como toda poética intenta subvertir los códigos y convenciones del lenguaje que la expresa. El uso de la luz y el color tienen un sentido plástico y conceptual. Nada puede conocerse sin la luz y las sombras. Los contrastes entre los fulgurantes brillos y la oscuridad acentúan el misterio de lo humano, lo bello, y a veces lo terrible. La técnica que uso puede llamarse Toma directa de acción: En la oscuridad ilumino la escena manualmente creando con la luz un espacio de subjetividad.”

Arturo Aguiar (San Juan, 1963). Realizó estudios de Ciencias Físicas en la UBA. Desde el año 2000 expone su trabajo en Argentina y otros países como Francia, España, Portugal, México, Estados Unidos, Costa Rica, Colombia, Bélgica y Alemania. Algunas de sus fotografías se encuentran en las colecciones de la Fundación OSDE, Banco Ciudad de Buenos Aires, Petrobras, Museo Castagnino+macro y también en importantes colecciones privadas de Argentina y del mundo.

 

Darío Ares

“Hace tiempo vengo archivando historias de asesinatos que aparecen en los periódicos. Luego trabajo esos textos como guiones, pienso en locaciones, invento personajes, googleo en imágenes, encuentro cosas nuevas, armo un gran archivo, que va desde lo analógico a lo digital y después vuelvo a poner en circulación esas mismas historias que tamicé, representé, exageré, edité. A veces copio en un dibujo las fotos que aparecen el los diarios, a veces voy a los lugares del hecho y saco la misma foto que tomó el fotógrafo forense, a veces mando un mail divulgando humor negro, a veces pongo el cuerpo y encarno a la víctima y otras al victimario. Tengo una cita pegada en mi cuarto propio: ‘Porque no creo que deba escribir lo que sé, sino también lo otro’.”

Darío Ares (Rosario, 1979). Estudió Ballet y Arte Dramático en Rosario y Buenos Aires. Entre 2005 y 2007 participó del taller de reflexión artística El Levante, Rosario. Cursó talleres con Carlos Trilnick. Realizó una residencia en La ciudad de las Artes, Córdoba. Ganó becas del Nuevo Banco de Santa Fe y una beca de producción en Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de la Provincia de Santa Fe. Desde hace 10 años trabaja un archivo personal de crónicas policiales. Actualmente estudia cine y televisión, dedicándose a la producción de proyectos para televisión.

 

 

Marcelo Bordese

“Sugiero que mis pinturas se vean en silencio y totalmente virgen de prejuicios. Mi obra no tiene un mensaje, no adhiero a ninguna estética en particular, no tengo preferencias por ningún movimiento, no me interesa ni lo irreal ni lo real con sus infinitas paradojas; apenas, sí, ese punto inasible donde lo ‘cercano’ contiene la perversión de lo prosaico. Lo único verdaderamente subversivo es la realidad.”

Marcelo Bordese (Río Cuarto, 1962). Artista autodidacta. A los 20 años deja la carrera de Biología en Córdoba, para internarse como laico en clausura en un convento de Bs. As. Comenzó a exponer de forma individual en 1997 en museos y ferias de Argentina y el exterior: Francia, España, Chile, Brasil, Portugal, Polonia y Estados Unidos. Obtuvo entre otros premios la beca a la creación del FNA y la beca a la creación de Fundación Antorchas. Sus pinturas y dibujos forman parte de colecciones públicas y privadas de Argentina, Alemania, Canadá, Chile, España, Brasil, Francia, Portugal y EEUU.

 

Nicola Costantino

En 2004 realiza Animal motion planet. La muestra está compuesta por máquinas que reproducen los movimientos de potrillos y terneros nonatos, sus planos y un video.

“Cuando mostré mis máquinas, que son mecánica básica pura, a muchos les costaba creer como las imaginé y diseñé, algo para mí muy simple. El conocimiento que les dio lugar está en mi niñez, cultivado después por mi profesión y por consejos de mis cuñados y hermanos ingenieros”. Esas técnicas no son inocentes, redundan en obras que han generado controversias ideológicas con respecto a la vida y la muerte.

Nicola Costantino (Rosario, 1964). Lic. en Bellas Artes por la UNR. Realizó exposiciones individuales y participó en muestras colectivas en Madrid, Barcelona, Santiago de Chile, Nueva York, Houston (EEUU), Liverpool (Inglaterra), Copenhague (Dinamarca), Noruega, Puerto Alegre, San Pablo (Brasil); Mar del Plata, La Plata, Rosario, Buenos Aires y Santa Fe. Su obra se encuentra en colecciones privadas y museos de Argentina, EEUU, Australia y Suiza. Desde 1996 vive y trabaja en Buenos Aires.

 

 

Mauro Guzmán

“Tanto en mis producciones como en las operatorias que uso subyace el intento de una reelaboración o edición de ciertos residuos culturales. Me propongo la construcción de un universo personal, donde la relación entre las cosas que lo habitan imponga la duda sobre lo ya establecido. A veces irónico, otras romántico o contradictorio, siempre intento hacer obras que den cuenta de mí y de mi mirada del mundo. Es por eso que suelo materializarlas de manera distinta según las necesidades de cada proyecto. Me desempeño en el arte a través del objeto, la instalación, la performance, la fotografía, el cine y el teatro, como autor, director, escritor o actor según lo necesite”.

Mauro Guzmán (Rosario, 1977). Realizó estudios especializados en artes visuales, teatro y artes escénicas. Incursionó experimentalmente en el cine de forma autodidacta. Participó en numerosas exposiciones tanto a nivel nacional comointernacional, y trabajó como actor en varias obras de teatro. Ganó el Primer Premio arteBA-Petrobras de Artes Visuales 2008. En 2009 fue becado por el Fondo Nacionalde las Artes con el proyecto grupal Studio Brócoli. Desde 2010, es uno de los artistas de la edición 2010-2011 del programa Beca Kuitca / UTDT. Actualmente realiza una residencia en Londres, en el marco del Programa Internacional de Residencias Gasworks.

 

 

Marcos López

rato de responder a la voz de mi corazón cuando hago mi obra. Mis fotos, aunque son puestas en escena, de algún modo “documentan” la realidad. Están impregnadas de “aquí y ahora”. Pueden ayudar a sentir una textura, un gesto poético, algo así como la alegría o la tristeza que da escuchar una cumbia colombiana o una milonga pampeana. Pueden ayudar como una caricia al corazón. Me interesa que mi obra tenga la textura del subdesarrollo. Exorcizar con las imágenes la violencia y el resentimiento propio del mestizaje, ser un cronista visual de la problemática de América Latina”.

Marcos López (Santa Fe, 1958). Comienza a tomar fotografías en 1978. Vive en Buenos Aires desde 1982, cuando obtuvo una beca de perfeccionamiento del FNA. Durante los 80’s se dedicó al blanco y negro, de esta época es su serie Retratos. En los 90 comienza a experimentar con el color, desarrollando la serie Pop Latino. Sus últimas fotografías, incluidas en la serie Surrealismo Criollo, se caracterizan por ser puestas en escena, donde juega el rol de director teatral, tomando influencias del cine, de la pintura y de la fotografía documental.

 

 

Sebastián Pinciroli

The Devil In My Mind se compone por un conjunto de piezas de horror elaboradas a partir de la exploración del mal, vinculado a ciertas fantasías paranormales. Cada una de ellas explora aspectos diversos de lo diabólico, lo pesadillesco, la aparición fantasmagórica, la posesión y el maleficio.The Head Of The Devil, consiste en la reproducción de sonidos escuchados en la cabeza de quien es sometido en su voluntad por las fuerzas oscuras del mal.

Sebastián Pinciroli (San Carlos Centro, 1976). Egresa de la carrera de Bellas Artes, UNR. Participa de los encuentros de TRAMA. Forma parte del Taller El Levante. Es miembro fundador de Roberto Vanguardia. Crea Estudio Durden Digital Works Argentina. Dirige el taller de pintura El Hurón Rojo. Desde el 2004 exhibe continuamente su trabajo en muestras individuales y colectivas de Argentina y el exterior. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas. Su trabajo aparece en publicaciones editoriales argentinas y del exterior. Vive y trabaja en Rosario.

 

 

Thaís Zumblick

“Mi vida y trabajo han sido itinerantes. Mi memoria siempre sujeta a las distorsiones de la subjetividad. Trabajo de modo ritual: elijo al modelo, lo fotografío en una larga sesión, transformo las imágenes en archivos digitales. Luego son sometidas a un proceso de postproducción en photoshop, retoques, cambios o suma de elementos. Estas “fotos-collage” digitales son los modelos que utilizo para pintar la tela al óleo. Con veladuras renacentistas de varias capas, logro un máximo cuerpo y una paleta potente: fusión de barroco y colores pop. Quienes pasan por mi vida se graban en mi universo creativo. Me gusta creer que mi obra es sentida: sin texto o palabras”.

Nace en Brasil, donde estudia Arquitectura y Urbanismo. En Florencia, Italia, se formó en Pintura e Historia del Arte. Ha realizado numerosas muestras individuales y colectivas en museos y galerías privadas, destacándose: Marina Kessler Gallery, USA; Boquitas Pintadas; Arteba- Appetite; Laura Haber; XIII Premio Klemm; Premio Platt; Rembrandt Examinado, MNBA; Art+trust; Premio OSDE; Zavaleta LAB; Galería Praxis. En 2008 recibió el Premio
Klemm y obtuvo el Subsidio para la Creación del Fondo Nacional de las Artes. Desde 1997 vive y trabaja en Buenos Aires.

 

 

Oligatega
Oligatega es un grupo de artistas formado en 1999. Su principal característica es su forma de trabajo. Evitando las jerarquías, elaboran técnicas que les permiten la construcción de una obra, en la que no se evidencian los aportes individuales, sino que se muestra como la obra de un quinto artista. A veces se refieren a ese quinto miembro como Mobo 6. Utilizan indistintamente diversos medios como pintura, instalación, sonido, performance y fotografía. Es recurrente la aparición de escenarios y personajes de ciencia ficción, insertados en estructuras narrativas ininteligibles, donde abundan el humor abstracto, las tecnologías pervertidas, los deshechos culturales y el absurdo. El colectivo Oligatega formado por Mateo Amaral, Alfio Demestre, Maximiliano Bellmann y Mariano Giraud, trabaja desde el año 1999. Participa en el Programa Beca Kuitka y de las clínicas de Diana Aisemberg. Sus obras fueron exhibidas en el premio Petrobras, Belleza y Felicidad, el Centro de Experimentación del Teatro Colón, Centro Cultural San Martín, Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural de España, Universidad Di Tella y el Festival de Performance Volare. Forman parte de colecciones de museos como MUSAC y MAMBA.

Listado de obras exhibidas

Arturo Aguiar
Siempre es otro el que muere, 2009.
Fotografía color toma directa de acción, 180 x 120 cm.

Darío Ares
2 veces Nadia, 2011.
Video Digital Hi 8 HD / NTSC.

Marcelo Bordese
Tríptico Tres Mariposas.

1. "Leda", 2003. Acrílico sobre tela, 170 x 120 cm.
2. "La difunta fértil", 2006. Acrílico sobre tela, 170 x 120 cm.
3. “Leda II”, 2011. Acrílico sobre tela, 170 x 120 cm.

Nicola Costantino
Animal Motion Planet. máquina para caballo nonato, 2003.
Máquina, hierro cromado y motor. Video. Dibujo a tinta.
Máquina 170 x 60 x 105 cm. Dibujo 106 x 169 cm.

Mauro Guzmán
Paraná, 2011.
Video.

Marcos López
Autopsia, 2005.
Fotografía color (Inkjet print), 110 x 200 cm.

Oligatega
Mateo Amaral, Maximiliano Bellmann, Alfio Demestre, Mariano Giraud.
Modulador Morfológico de Materia, 2011.
Performance. Video.

Sebastián Pinciroli
The Devil In My Mind, 2011
Video-proyección Digital. Video Digital Monocanal.
+
The Head Of The Devil, en colaboración con Luis Tamagnini, 2011
Intervención sonora en el ascensor.

Thaís Zumblick
Pablo Gore-Punk, 2011.
Óleo sobre tela, 110 x 160 cm.

anónimo
S/T (cabina snuff), 2008
Instalación.